Claves del expresionismo alemán

CONTEXTO HISTÓRICO
Durante el periodo de recuperación seguido a la Primera Guerra Mundial, la industria cinematográfica alemana estaba en auge, pero debido a los difíciles tiempos económicos, los cineastas encontraron muy difícil crear películas que compitieran con las superproducciones de Hollywood. Sin embargo, con la participación financiera del Deustsche Bank (Banco Alemán) se logró unificar a todos los productores del cine alemán a través de los estudios Universum Film AG (UFA), organización que sirvió de trampolín para el éxito en suelo germano de cineastas alemanes (Ernst Lubitsch, Josef von Stenberg, Fritz Lang, Robert Wiene, FriedrichWilhelm Murnau, etc.), de los cuales algunos formaron parte del movimiento expresionista que guardaba gran relación en estética y temática con la obra gráfica y pictórica propuesta por sus fundadores antes y después de la guerra, acontecimiento que dejó en la quiebra a Alemania, y que influyó en los expresionistas, quienes exteriorizaban sus emociones y psicología, además de distorsionar la realidad y mostrar simbolismos para agregarle más profundidad a las películas.

Los orígenes de este movimiento cinematográfico que tuvo su mejor momento en la década de los años 20’s, se remontan a principios del siglo XX, cuando surgió el expresionismo en el arte alemán, como un reflejo de la realidad. Algunos directores asimilaron las teorías y propuestas de este fenómeno artístico.
La película precursora fue “El gabinete del Dr. Caligari” (1919), cuya estética sobresalió por las sombras y lo tenebroso. Otros filmes claves son: “El golem” (1920), de Paul Wegener y Henrik Galeen, con decorados góticos; “Nosferatu” (1922), de Murnau, sobre el tema del vampirismo que atraía a los expresionistas por su estética gótica, oscura y onírica; “Metrópolis”, de Fritz Lang, una alegoría de la división de las clases sociales en un mundo subterráneo obrero y una ciudad urbana futurista de ricos, donde las máquinas manejadas por las clases bajas sostienen el sistema capitalista. Otros filmes destacables son “Destino” (1921), “Fantasma” (1922), “Schatten” (1923) y “El último” (1924), donde abundaban los simbolismos y la estética expresionista.

De acuerdo al sitio de internet especializado en historia del cine www.cinematismo.com la primera película expresionista (“El Gabinete Dr. Caligari”) fue filmada con poco presupuesto y mucha creatividad e ingenio al usar escenarios diseñados con decorados geométricamente absurdos, y con diseños pintados en paredes y pisos para representar luces, sombras y objetos. Los guiones y las historias de las películas expresionistas a menudo trabajan con la locura, la demencia, la traición y otros tópicos intelectuales que se oponían a las películas estándar de romance, acción y aventura. A estos guiones se les conoció como “Kammerspielfilm” (películas de cámara, por hacer alusión a la música de cámara).

EL GABINETE DEL DOCTOR CALIGARI, PRIMERA PELICULA EXPRESIONISTA

El gabinete del doctor Caligari (1919), de Robert Wiene, se inspiró en una serie de crímenes sexuales que tuvieron lugar en Hamburgo y en un espectáculo de feria sobre hipnotismo. El filme -antecedente de los filmes de terror que surgirían después- aborda los estremecedores crímenes que comete el sonámbulo Cesare, bajo las órdenes hipnóticas del doctor Caligari, que recorría las ferias de las ciudades alemanas exhibiendo a su sirviente, quien adivina el futuro de los clientes, a quienes anticipa una muerte violenta, la cual será ejecutada por el mismo vidente (Cesare) . El filme fue interpretado como una denuncia a la actuación del Estado alemán durante la guerra.

La estética expresionista de la película sorprendió por su anormalidad escenográfica con chimeneas deformes, reminiscencias cubistas y ventanas con forma de flecha, todo ello con una función dramática y psicológica, y no como algo decorativo. Debido a la limitación de la iluminación en el estudio donde se rodó, se decidió pintar luces y sombras directamente en las paredes y pisos de los decorados, así como en los lienzos de fondo. Otra característica a destacar es el maquillaje de los actores y su interpretación.

Fue tal impacto de esta película en su época, que los críticos llamaron a la nueva estética cinematográfica “Caligarismo”. Anteriormente las películas (vistas de hechos cotidianos-antecedentes de los cortometrajes por su breve duración y de los documentales por la aproximación de la realidad-, cortometrajes cómicos y largometrajes silentes de historias melodramáticas, épicas o trágicas) eran consideradas como espectáculos frívolos y masivos para ferias, pero con “El Gabinete del Dr. Caligari”, los prejuicios desaparecieron; y el cine alemán se internacionalizó. Después de este éxito descomunal ninguna película de Wiene logró el impacto que tuvo con su ópera prima.






NOSFERATU, EL VAMPIRO DE MURNAU
Considerado como uno de los mejores directores en la historia del cine debido su búsqueda del encuadre como eje dramático del lenguaje cinematográfico, Friedrich Wilhelm Murnau filmó la película expresionista “Nosferatu: Una sinfonía de horror” (1922), basada libremente en la novela de Bran Stoker, situación que le causó al cineasta, problemas con la viuda de Stoker, quien lo demandó ante tribunales por el plagio de la historia, sin embargo, este filme convirtió al vampiro en un icono del séptimo arte. La aportación de Murnau consistió en rodar en escenarios naturales y exteriores -sin perder la estética expresionista- el horror que se vivía en las calles, logrando una veracidad a su historia y realismo en los paisajes y decorados al expresionismo que había desarrollado previamente “El gabinete del Doctor Caligari”. La representación del vampiro como portador de plagas mortales -auténticas epidemias esparcidas por las ratas que le acompañan en su viaje hacia la civilización-, es la putrefacción que rodea al “Conde Orlok/Nosferatu”, quien no es un vampiro seductor, sino un ser masculino con físico de roedor con uñas largas y dientes incisivos. La secuencia de ratas -creada por Murnau– fue homenajeada por Francis Ford Coppola en su versión fiel del “Drácula” (1992) de Stoker.

Cabe destacar que en 1979 el director alemán Werner Herzog realizó una segunda versión de “Nosferatu”, con el camaleónico actor alemán Klaus Kinsi como el Conde Drácula.

El rodaje de este filme clave en el cine expresionista alemán está rodeado de muchos rumores y teorías descabelladas, como la que plantea la película “La sombra del vampiro” (2000), de E. Elias Merhigue, donde se planteaba la hipótesis de que el actor alemán de teatro Max schreck (interpretado magistralmente por Willem Dafoe, nominado al Oscar como Mejor Actor de Reparto) que personificaba al conde Orlork y al monstruo Nosferatu era en realidad un vampiro. En este tributo al filme expresionista, Murnau -interpretado por el camaleónico John Malkovich-, contrata a un supuesto vampiro (Schreck) para darle mayor realismo a su obra maestra.

Durante su estreno “Nosferatu” fue considerada como una pieza vanguardista, debido a que presenta características de lo que sería el futuro cine de terror en cuanto a su tema, situaciones, preocupaciones, mecanismos y personajes. Además se le puede considerar como una “película gótica” por la ubicación de la acción en la vieja mansión donde vive la heroína y el castillo donde habita el conde Orlok, un ser humano con características sobrenaturales conocido también como el vampiro “Nosferatu”.

Después de “Nosferatu”, Murnau rodó “El último” (1924) sobre el portero de un lujoso hotel que es trasladado de puesto de trabajo debido a su edad. Por tal motivo, el hombre no se conforma con la pérdida de su uniforme y lo roba cada día para regresar con él a su casa, hasta que es descubierto. Esta obra supone la transición clara del expresionismo al realismo social, aunque está narrada en un lenguaje plástico lleno de prototipos expresionistas.

Para dar agilidad al relato, Murnau y su operador, Karl Freund -futuro director del clásico hollywoodense “La momia” (1932)-, utilizaron una cámara muy dinámica, atada al pecho de este último, para realizar travellings subjetivos circulares, e imitaron los movimientos de una grúa, situando la cámara en el extremo de una escalera de incendios.

Basada en la obra literaria de Goethe -escritor que enriqueció la lengua y la literatura alemana-, “Fausto” es otra de las grandes películas de Murnau, quien a través de diversos efectos especiales y estética expresionista en interiores, logró analizar el bien y el mal al narrar de manera metafórica, la dicotomía de bondad-maldad a través de la lucha del anciano alquimista Fausto entre las recomendaciones de Dios y las tentaciones del Diablo, al cual sucumbe vendiéndole su alma con tal de tener juventud para poder amar a una jovencita, a quien le ocasionará desgracias. Una vez más, Murnau retrata la fatalidad y la desgracia de la humanidad.

Con clásicos expresionistas de fenómenos sobrenaturales en su filmografía (“Satanás” y “La cabeza de Jano”, ambas de 1920), el genio y visionario Murnau llevó su legado a Hollywood, donde sólo filmó tres películas (“Amanecer”, “Chica de la ciudad” & “Cuatro diablos”), en las que mostró su talento para tratar los espacios como parte del lenguaje cinematográfico y del clímaz dramático. Además de ser el pionero en utilizar el espacio fuera de cuadro e incorporarlo a través del encuadre, haciendo uso del relato.

LA METROPOLIS DE FRITZ LANG

Creador de la grandes clásicos del cine alemán “Las arañas” (1920), “Los nibelungos” (1924), “La mujer en la luna” (1928)y “El testamento del Dr. Mabuse” (1932), el genio y visionario Fritz Lang vaticinó muchos acontecimientos que sucederían en el futuro, como su obra maestra “Metrópolis” (1927), donde jugará con espacios, volúmenes y claroscuros a través de espectaculares decorados donde se reflejan los efectos de luz y sombra y la grandiosidad de la puesta en escena. El filme es un tratado sociológico pro clase trabajadora sobre el opresivo mundo subterráneo, el relevo de turno de los obreros, el pánico que provoca la inundación en la ciudad y el clasismo en la población. Mientras que “Metrópolis” representa la arquitectura expresionista, “El Gabinete del Dr. Caligari” lo es a nivel pictórico. Un viaje a Nueva York en 1924 sirvió a Lang para crear la historia de “Metrópolis”, la gran ciudad de arquitectura geométrica que él visualizó a través de una estética expresionista que posteriormente serviría como referencia para crear décadas después, las escenografías y decorados de otros clásicos de la ciencia ficción (“Star Wars” o “Blade runner”).




INFLUENCIAS DEL CINE EXPRESIONISTA EN EL FILM NOIR DE HOLLYWOOD (CINE NEGRO, POLICIACO O DE DETECTIVES)

Entre 1927 y 1928, el alemán Josef von Stenberg -creador de la diva Marlene Dietrich en su mejor película alemana (“El ángel azul”) y en su gran carrera hollywoodense de los años 30’s (“Marruecos”, “Fatalidad”, “Expreso de Shangai”, “La venus rubia”, “Capricho imperial” y “El diablo es una mujer”)-, quien vivió el movimiento expresionista como espectador, anticipó estilístícamente como cineasta extranjero en Hollywood, el cine negro estadunidense de sombras y claroscuros con la trilogía silente sobre gágnsters: “La ley del hampa”, “La batida” y “Los muelles de Nueva York”. Posteriormente llegarían otros cineastas de origen alemán (Robert Siodmak, Max Ophüls), austriaco (Fritz Lang, Ottro Preminger, Fred Zinneman) o austrohúngaro (Billy Wilder, Edgar G. Ulmer, Ottro Preminger) que desarrollaron su estilo como cineastas bajo la influencia del expresionismo, movimiento estético al que hicieron referencia a través de una cinefotografía exquisita en blanco y negro captada a través de estudiados ángulos de cámara distorsionados, simbólicos diseños de escenarios o escenografías o tomas que reflejaban sombras en las escenografías y claroscuros en los rostros de los actores y actrices. Algunos clásicos son: “Pacto de sangre” (1944, Wilder), “Laura” (1944, Preminger), “Detour” (1945, Ulmer), “La mujer del cuadro” y “Perversidad/ Mala mujer” (1945, Lang), “Los asesinos” (1946, Siodmak), “Atrapados” y “Almas desnudas” (1949, Ophüls) y “Los sobornados” (1953, Lang).

Aunque el fenómeno del expresionismo duró menos de una década (1919-1928), su teoría con respecto al control artístico sobre la ubicación de la cámara en la puesta en escena y el manejo de la luz y sombra para mejorar el estilo de la película, se integró perfectamente en Hollywood a través del trabajo de cineastas, cinefotógrafos y camarógrafos -tanto de origen germano como judío-, que huyeron de los nazis cuando estos tomaron el control de la industria cinematográfica alemana. Afortunadamente encontraron oportunidades en los estudios de cine de la Meca del Cine.

Cabe destacar que el entonces incomprendido cineasta de las películas de bajo presupuesto, pero ahora revalorado por investigadores de cine, Edgar G. Ulmer, fue ayudante del director expresionista F.W. Murnau (“Nosferatu”, “Fausto”), de quien aprendió técnicas de iluminación y escenografía, las cuales se aprecian en su obra fílmica de cine y melodrama negro, como “Barba azul” (1944), “Extraña ilusión” (1945), “Extraña mujer” (1945) y “Ruthless” (1948).

Esta influencia expresionista alemana se reflejó en la estética de cineastas estadunidenses como Howard Hawks (“Caracortada”), William Wellman (“Enemigo Público”), Mervin LeRoy (“Hampa dorada”) o Raoul Walsh (“Los ruidosos veintes”), quienes durante la década de los años 30’s filmaron películas sobre crimen urbano y corrupción para la productora Warner Brothers Pictures. Sin embargo los cineastas de origen alemán y austriaco aplicaron sus conocimientos de técnica a las historias fatalistas y piscológicamente perversas de las novelas e historias de los escritores estadounidenses como Dashiell Hammett, Raymond Chandler, James M. Cain o Cornell Woolrich, cuyas tramas trágicas y personajes oscuros, violentos y retorcidos compartían puntos en común con los antihéroes y villanos del cine expresionista alemán, en el que está presente el pasado angustioso y la pesadilla fatalista.

Otros directores como el austro-húngaro Michael Curtiz (“Casablanca”, “Alma en suplicio”) y el británico Alfred Hitchcock (“Rebecca”. “Sopsecha”, “La sombra de una duda”) introdujeron el estilo expresionista -ya sea en temática psicológica o estética claroscura- en sus melodramas negros de los años 40’s.

De acuerdo al libro “Cine Negro”, escrito por Alain Silver y James Ursini; y bajo la supervisión del investigador Paul Duncan, para la editorial alemana de gran prestigio mundial Taschen (www.taschen.com), la iconografía visual del “filmnoir” (término francés) o cine policiaco remite a la estética del cine expresionista alemán a través de cuatro ejes:

La iluminación de claroscuros.- En el cine negro hay sombras y luces que no sólo se observan en exteriores nocturnos, sino también en oscuros interiores protegidos de la luz del día por cortinas o persianas. La luz lateral, intensa y sin filtros, así como la luz de los contornos, revela únicamente parte del rostro para crear tensión dramática. La fotografía en blanco y negro con marcados contrastes, crudos exteriores diurnos y un trabajo nocturno de gran realismo se convirtió en estándar en el cine negro de los años 30’s y 40’s, estética que antes había sido experimentada en el cine expresionista alemán de los años 20’s.

Los ángulos insólitos.- Los cinefotógrafos favorecían los ángulos bajos de la cámara por varios motivos: conseguían que los personajes se elevaran del suelo de forma casi expresionista (es decir, a través de la sombra se aprecia la figura total), lo cual le daba a la imagen un contorno dramático y un trasfondo simbólico. Además, permitían al espectador ver los techos de los interiores, lo que creaba una mayor sensación de claustrofobia y paranoia, emociones desarrolladas en el cine expresionista y apropiadas para el universo negro de policías, detectives, gángsters, delincuentes y mujeres fatales. Por su parte, los ángulos altos podían producir desequilibrio, por ejemplo: la ventana de un rascacielos hacia la lejana calle.

La cámara en movimiento.- Para grandes cineastas como Ophüls o Lang, la cámara que se desliza por una habitación dejando atrás un gran desorden en primer plano, o que sigue a un personaje en un café abarrotado, tenía una calidad despiadada; y al combinarse con una toma larga, realzaba sutilmente las secuencias de suspenso. Murnau fue uno de los primeros cineastas en mover la cámara en su etapa expresionista.

El paisaje urbano.- El cine negro suele ubicarse en un paisaje urbano, concretamente en Los Ángeles, San Francisco y Nueva York, esta última sirvió como modelo para que Lang escribiera su obra maestra futurista con estética expresionista “Metrópolis” (1927), en la que reprodujo la estética urbana a través de círculos de luz bajo los faroles, los oscuros callejones, los peatones sombríos, las calles humedas y sucias. Todo esto es un entorno perfecto para los angustiosos sucesos del cine negro, género al que Lang aportó grandes obras maestras como “La mujer del cuadro” (1945) y “Los sobornados” (1953).

El flashback y la cámara subjetiva.- Son los recuerdos de un personaje, a través de los cuales se conoce el pasado o el punto de vista del personaje que cuenta su historia. Esta forma de narración del cine negro también fue utilizada por uno de sus pioneros: Murnau, en uno de sus clásicos expresionistas “Fausto”.

INFLUENCIAS DEL CINE EXPRESIONISTA EN EL CINE DE TERROR DE HOLLYWOOD

Al llegar los años 30’s terminó el expresionismo, pero influyó en posteriores películas de terror y ciencia ficción en Hollywood. Aunque la Universal Pictures produjo filmes de terror como “Dr. Jekyll y Mr. Hyde” (1920) o el “El fantasma de la Ópera” (1926), ambas basadas en obras literarias, fue a principios de los años 30’s que la famosa productora cinematográfico lanzó varias películas de terror con diseño de escenarios e iluminación que remitían a la estética del cine expresionista, que se caracterizaba por la oscuridad de sus escenarios, así como por sus monstruosos protagonistas (el “Golem”, el vampiro “Nosferatu”, el zombie “Cesare”, quien es el asesino serial del Dr. Caligari, el “Diablo” que corrompe a Fausto, “la androide usurpadora” de Metropolis). Algunos clásicos son: “Drácula” (1931), del estadunidense Tod Browning, que tiene la influencia temática del clásico alemán “Nosferatu” con respecto a la destrucción del vampiro; “Frankenstein” (1931) y “La novia de Frankenstein” (1935), del inglés James Whale, ambas con influencia de “ElGolem”, probable referencia en “La momia” (1932), del austrohúngaro Karl Freund, quien fue un camarógrafo con gran talento para crear ángulos de la cámara poco comunes, así como iluminaciones complejas (luz tenue y sombras amenazantes). Gracias a su indiscutible talento, formó parte del equipo técnico de “El Golem”, de Wegener; “Metropolis”, de Lang; y “El último”, de Murnau.

Cabe destacar el filme “El gato negro” (1934), con los actores de culto Boris Karloff (“Frankenstein”) y Bela Lugosi (“Drácula”), del austrohúngaro Edgar G. Ulmer, hay influencia estética de los decorados de “El gabinete del Doctor Caligari” (1919), de Robert Wiene. Años después, seguiría con esta influencia expresionista en su obra de ciencia ficción y terror “El ser del Planeta X” (1951) y “El sorprendente hombre transparente” (1960).

Por su parte, el cineasta francés afincado en Hollywood, Jacques Tourneur retomó algunos manifiestos del Expresionismo Alemán en su obra maestra “La mujer pantera” (1942), donde el miedo se sugiere por una puesta en escena inquietante (las grandes sombras mantienen la incógnita cuando la protagonista se convierte en una salvaje pantera que asesina a los hombres que la aman o la engañan), en la que la angustia y la paranoia de los personajes está en la mente que lo que se muetra abiertamente en la pantalla. Al final siempre queda la duda si todo lo siniestro que ha sido expuesto es fruto de la enajenación de los personajes -de acuerdo a las teorías psicológicas de Carl Jung o Sigmund Freud-, o si son acontecimientos sobrenaturales de mundos fantásticos.

INFLUENCIAS DEL EXPRESIONISMO EN EL CINE DE HOLLYWOOD BASADO EN EL CÓMIC Y LA NOVELA GRÁFICA

A casi 100 años de su nacimiento, el Expresionismo Alemán ha dejado huella en diversos filmes clásicos o de culto con marcada influencia en estética o temática, como el caso de “El Golem”, convertido en el antecedente de los seres robóticos que se rebelan contra su creador para provocar el caos en su comunidad. Desde la robótica e intrigosa “María” de “Metrópolis” hasta el despiadado androide “Terminator” (1984) que muestra sentimientos humanos y se rebela en “El juicio final” (1991) contra la corporación que lo ha creado, pasando por “Robocop” (1987), el policía reconstruido para ejercer justicia violenta contra los delincuentes, pero utilizado por el sistema como una maquina para matar, aun cuando todavía conserva su esencia humana; sin olvidar a “los replicantes” que desean independizarse en “Blade runner” (1982).

Por su parte la estética de “Metrópolis” ha sido un referente para todas las películas de ciencia ficción que muestren ciudades futuristas. El cineasta Tim Burton -quizás el más expresionista de los cineastas de los últimos 30 años-, homenajeó esta estética en su película “Batman” (1989), donde Ciudad Gótica era una versión contemporánea (diseño angular de los edificios y calles semioscuras) de lo que visualizó Fritz Lang. En “Batman regresa” (1992) el magnate villano interpretado por Chistopher Walken se llama “Max Schreck”, nombre del actor alemán que interpretó a “Nosferatu”; en “Eduardo Manos de Tijeras” (1990), la apariencia del robot (referencia al “Golem”) interpretado por su actor fetiche Johnny Depp tiene una semejanza con el sonámbulo “Cesare” del “El Gabinete del Dr. Caligari”, sin olvidar el castillo gótico, un elemento muy expresionista

El cómic y la novela gráfica de los Estados Unidos se han nutrido de la oscura estética y psicología atormentada de los personajes del Expresionismo Alemán, como “las gigantes sombras” del símbolo del murciélago que se proyectan en muros en la trilogía de “Batman: El caballero de la noche” (2005, 2008 & 2012), cuando la policía llama al superhéroe para enfrentar el peligro; o los oscuros callejones de las películas de culto basada en las novelas gráficas de Frank Miller: “Sin city: ciudad del pecado” y “The Spirit”; sin olvidar la apariencia (traje negro y ajustado, maquillaje blanco y sombras negras alrededor de los ojos) del vengador “El Cuervo” (1994), que remite al sonámbulo “Cesare” de “El Gabinete del Dr. Caligari”.

Otros cinestas como Woody Allen o Joel & Ethan Coen han rendido tributo al Expresionismo Alemán con películas estilizadas filmadas en blanco y negro, como la espléndida “Sombras y niebla” (1991), donde Allen, retoma con su particular humor, una anécdota de la novela “El Proceso”, del escritor expresionista Franz Kafka; y “El hombre que nunca estuvo” (2001), de los hermanos Coen, quienes retoman la estética del cine negro de los años 40’s en este gran ejercicio fílmico.

TAREA 8.- Lectura connotativa y denotativa de imágenes. Los santos inocentes

1. Previos

• ANÁLISIS DENOTATIVO. ¿Qué vemos? 
• CONTEXTO
• Nombre de la película: 
• publicación, fecha, / ubicación, extensión / duración (subrayar uno de cada apartado)
• Escenario (entorno físico y sociocultural…), sonidos, objetos, cada uno de los personajes principales (personalidad, edad, género, etc.)
• ELEMENTOS QUE CONFIGURAN LA IMAGEN
• Planos y ángulos de la cámara, encuadres, profundidad de campo, ritmo,
• Movimientos de cámara, 
• luz, 
• color, efectos sobre las imágenes
• Textura
• Escenografía
• Estructura narrativa:
• ¿Qué historia cuenta? (presentación, desarrollo, solución) ,
• Descripción de cada uno de los personajes principales,
• Argumento ¿qué ocurre?, ¿a quién?, ¿en qué contexto’
• Situaciones o conflictos
• Secuencias a destacar
• Música y efectos sonoros:
• Autor de banda sonora
• Estilo, instrumentos utilizados...
• Léxico utilizado, interpretación de los actores:
• Científico-técnico, humorístico, poético-romántico, popular, surrealista…
• Interpretaciones teatrales, naturales, expresivas, planas....
• ANÁLISIS CONNOTATIVO. ¿Qué nos sugiere?
• VALORES ESTÉTICOS 
• Según el diccionario de la Real Academia la palabra estético es un adjetivo que define a todo “lo relativo a la percepción o apreciación de la belleza” o a “lo que consideramos artístico, de aspecto bello y elegante”. En la apreciación de valores estéticos en una imagen podremos calificarla de bella o fea, elegante o vulgar, original o corriente. Desde luego todos estos calificativos pueden ser subjetivos o circunstanciales, sujetos a gustos o manías personales, a nuestros estados emocionales pasajeros, a nuestra experiencia cultural y vital, etc. No obstante, es posible reconocer con cierta objetividad o cierto consenso valores estéticos que se acercan a modelos reconocidos que sirven de ejemplo por su relevancia cultural. Así, podemos decir de una imagen que tiene una belleza clásica o que resulta original por su rareza en su contexto. Además, el diccionario de la Real Academia define la palabra estética como el “conjunto de elementos estilísticos y temáticos que caracterizan a un determinado autor o movimiento artístico”. En este sentido se puede hablar de estética realista, estética picassiana o estética expresionista, por tres de los muchos ejemplos que pueden darse. Al aplicar este criterio al análisis de imágenes concretas, tendremos mayor capacidad de hacerlo cuanto mayor sea nuestro conocimiento de las artes visuales, de su historia y de las tendencias contemporáneas. La comparación con otras imágenes es muy útil en este apartado.
• VALORES EXPRESIVOS
• Los valores expresivos de unas imágenes son aquellos que hacen eficaz la comunicación que pretendan. Las imágenes que pretenden concienciar de una situación injusta o peligrosa parece lógico que presenten una expresividad dramática o unas que sólo quieren entretener de forma divertida presenten una expresividad alegre. Los ejemplos pueden ser más complejos y ambiguos y podemos plantear de nuevo, como en el apartado anterior, que, hasta cierto punto, nuestra percepción de la expresividad es subjetiva o está sujeta a factores circunstanciales. Se trata de evaluar hasta qué punto los valores formales de las imágenes que observamos logran implicar emocionalmente según la intención comunicativa que pretenden y lo hacen de forma eficaz en la mayoría de los espectadores. La expresividad busca la empatía para persuadirnos mejor de su mensaje. Unas imágenes que pretenden ser cómicas buscan hacernos reír, si no es así, podremos decir que sus valores formales son incorrectos porque no logran la expresividad requerida. En conclusión, podemos decir al describir los valores expresivos de unas imágenes concretas hasta qué punto consiguen afectarnos por su dramatismo, por su misterio inquietante, por su alegría, por su comicidad, por su dinamismo, por su serenidad, etc. Además de todos estos ejemplos, también debemos indicar que aquellas imágenes que sólo pretenden informar objetivamente (imágenes documentales técnicas o científicas, por ejemplo) pueden presentar una expresividad baja o nula.
• Intención expresiva de la música y los efectos especiales: 
• Reforzar o no el mensaje.
• Evocar, destacar, acompañar…
• Metáforas, hipérboles… ¿qué función realizan?
• Estrategia comunicativo – persuasiva. ¿Cómo logra la atención?: ¿Pretende convencer razonadamente o seducir? 
• ¿El espectador participa o se involucra por identificación o por proyección?
• ¿Se logra el aparente objetivo?
• VALORES DE SIGNIFICADO. 
• Las imágenes pueden tener un significado claro y preciso que puede señalarse en una lectura denotativa (recuérdese lo señalado anteriormente sobre las imágenes monosémicas), pero sobre todo, una lectura connotativa nos permita desvelar la dimensión más profunda y compleja de sus posibles significados.
  Descubrir connotaciones significativas y valores simbólicos requiere un tiempo
  prolongado de observación y meditación para sopesar qué pretenden los dispositivos formales y los valores expresivos y estéticos de las imágenes. Señalar los valores de significado implica descubrir el tema o los temas principales y secundarios y en qué sentido se exponen.
• Impacto del Mensaje:
• ¿Cuál es el mensaje?,
• ¿Cuáles son los aspectos más impactantes?
• ¿Se recuerda el mensaje?
• ¿Cuál es el propósito?
• ¿Se logra el propósito?
• ¿Nos gusta?
• ¿Qué es lo que más nos gusta (o disgusta), la idea o la manera de expresarla?,
• ¿Resulta creativo?
• Presentación del mensaje:
• Cualidades que se destacan y aspectos que se omiten; grado de veracidad. ¿Qué mensajes o situaciones reales ofrecen?
• Público al que se dirige:
• Género, nivel socio-cultural, edad, ideología…
• Valores y estereotipos que se utilizan como reclamo o se manifiestan:
• Belleza, éxito social…
• ¿Qué visión se da de ellos?
• ¿Se establecen relaciones causa – efecto con el espectador?
• Significado que se deriva de los elementos morfosintácticos y expresivos:
• Planos y ángulos de la cámara, encuadres, profundidad de campo, ritmo, movimientos de cámara, luz, color, efectos sobre las imágenes…
• Aportaciones de la estructura narrativa:
• Personalidad y gestos significativos.
• Relación de personajes y contexto con los espectadores.
• ¿Qué emociones provocan los personajes?
• ¿Qué aporta el mensaje?
• ¿Cómo transforma a los personajes y al contexto?
• Valoración personal

1.- Descripción del ejercicio.
Realiza un análisis denotativo y connotativo de la película "los santos inocentes" siguiendo algunas de las pautas que se indican. No es necesario que trates todos y cada uno de los puntos.

2.- Modo de presentación.

En tu blog personal titulando la entrada “Tarea 08 CA2: ”Lectura connotativa y denotativa de una película"

Una vez subida la entrada al blog deberás enviarme un email a  profe1bar@gmail.com con el enlace exacto a la entrada del ejercicio y  asunto “Tarea 08 CA2:  ”Lectura connotativa y denotativa de una película" (Nombre y Apellidos)"

RECUERDA.- ES EL CORREO LO QUE ME INDICA SI HAS ENTREGADO O NO EL EJERCICIO EN FECHA CORRECTA, SI NO ME ENVIAS EL CORREO NO EVALUARÉ EL EJERCICIO DENTRO DEL PLAZO.

3.- Fecha de Presentación. 

El correo y el enlace me indicaran que has cumplido los plazos de entrega establecidos.

 (10-12-16)